Si algo le interesa a la directora colombiana Laura Mora es entender por qué un género como el realismo mágico se hizo tan popular en su país y en el resto de América Latina. Y ahora que será la directora de la serie de Cien años de soledad, obra de su compatriota y premio Nobel Gabriel García Márquez (1927-2014), pondrá todo su esfuerzo en llevarlo a la pantalla.

«El realismo mágico es una manera de sobreponernos a la tragedia. La realidad es tan dura que tenemos que fantasear porque si no nos morimos o nos matamos, aunque ya nos hemos matado. Creo que el realismo mágico ha sido una manera de soportar». Así le contestó Mora a Efe en rueda de prensa con medios mexicanos este martes.

Laura Mora

La directora fue galardonada recientemente con la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por su filme Los reyes del mundo. Ahora se encuentra en México presentándolo como parte del Festival Internacional de Cine de Morelia.

Mora se pregunta si existe posibilidad de que García Márquez la influenciara de manera especial en la forma de abordar sus ficciones, por haberlo leído desde niña y por haber crecido en Colombia.

Por eso adelantó que le causa mucha curiosidad el reto que le supondrá tener que retratar este realismo mágico tan característico del libro en el formato audiovisual, y confesó que se encuentra en una nueva lectura del libro y haciendo anotaciones específicas.

«A mí lo que más me interesa en términos audiovisuales es cómo vamos a poder hacer que el realismo mágico sea tan natural como lo es en el libro, porque no es una cosa fantástica sino que simplemente pasa y los demás lo acogen», cuenta la directora.

Netflix anunció recientemente que trabajan en la producción que se llevará a cabo en Colombia con la participación de «los mejores artistas audiovisuales, guionistas, productores, directores, diseñadores de producción, arte y vestuario».

Y Mora forma parte de ellos al codirigir la serie junto con el argentino Alex García López.

Una mirada femenina

En su filme Los reyes del mundo, Mora reflexiona sobre la violencia y la restitución de tierras en Colombia a partir del viaje por carretera de cinco chicos de Medellín en situación de calle.

La historia, que le valió la Concha de Oro y que representará en el Oscar a Colombia, tiene una mirada muy femenina, aun cuando sus protagonistas son todos hombres.

«Alguien me preguntaba que por qué no había una chica dentro del grupo y yo decía ¡claro que la hay! estoy yo», también dijo a Efe.

Mora logra presentar la vulnerabilidad de los hombres en estos cinco adolescentes y considera que poder abordar la diversidad en su obra y tener la posibilidad de brindar una mirada femenina a personajes masculinos es parte de un ejercicio de libertad por el que lucha el feminismo.

«Me molesta mucho cuando dicen que las mujeres solo podemos hablar de ciertas cosas, me parece una arbitrariedad antifeminista porque el feminismo abraza la diversidad y complejidad del mundo y no lo pone en blancos y negros, que es una cosa que sí ha hecho históricamente el patriarcado, un mundo de buenos y malos estúpidamente simple», apuntó.

El Universal

En 1973, Marlon Brando estaba nominado por su papel de Vito Corleone en El Padrino y sabía que era muy probable que la Academia de Hollywood decidiera darle el Oscar. Sin embargo, el actor optó por no asistir a la ceremonia y tomó una determinación que causó una enorme sorpresa y confusión: envió en su lugar a Sacheen Littlefeather, una activista indígena.

Como lo había previsto, Brando resultó ganador y aquella mujer fue la encargada de subir al escenario para rechazar el galardón. Dio, además, un discurso político que causó un gran revuelo. Enfundada en un típico atuendo apache, Sacheen Littlefeather, entonces de 26 años, leyó sobre el escenario un mensaje escrito por el actor: «Lamentablemente, no puedo aceptar este premio tan generoso. Y las razones detrás de esto son el trato que la industria cinematográfica y la televisión dan hoy a los nativos americanos en las películas. También, los acontecimientos recientes en Wounded Knee», dijo, en referencia a un enfrentamiento violento entre agentes federales e indígenas en un lugar de gran importancia para el pueblo sioux.

El golpe de efecto fue más que exitoso: esa breve aparición en los televisores de millones de hogares y su sorpresivo discurso hicieron que Littlefeather se convirtiera en el imaginario popular en la cara visible de la lucha de los pueblos originarios estadounidenses. Sin embargo, este sábado, apenas dos semanas después de su fallecimiento, las hermanas de la mujer revelaron cuáles eran sus verdaderas raíces.

En una entrevista publicada por el San Francisco Chronicle, que en cuestión de minutos tuvo un gran rebote en los principales medios estadounidenses, las mujeres aseguraron que su hermana mintió sobre su ascendencia indígena. «Es mentira», dijo Trudy Orlandi sobre ella. «Mi padre era quien era. Su familia vino de México. Y mi padre nació en Oxnard», agregó, en referencia a la ciudad del condado de Ventura en el estado estadounidense de California.

La otra hermana de Littlefeather, Rosalind Cruz, dijo: «Es un fraude. Es repugnante para la herencia de los pueblos tribales. Y es simplemente insultante para mis padres». De esta manera, echaron por la borda la versión de Littlefeather, que decía pertenecer a las tribus White Mountain Apache y Yaqui por parte de su padre.

Disculpas tardías

En agosto de este año, Littlefeather recibió una tardía carta de disculpa del presidente de la Academia, David Rubin, tanto por la reacción de algunos de los presentes en la ceremonia -ella denunció que John Wayne quiso atacarla físicamente y debió ser contenido por guardias de seguridad- como por haber sido cancelada por la industria en ese mismo momento. Un mes después, el Museo del Cine de la Academia celebró un acto en su honor. «Estaba representando a todas las voces indígenas, a todos los pueblos indígenas. Nunca se nos había escuchado de esa manera», dijo sobre lo ocurrido en 1973.

Littlefeather murió de cáncer de mama con metástasis el 2 de octubre en su casa en el condado de Marin, California. «Littlefeather dedicó su vida a la salud y el bienestar de los nativos en todas partes», decía el comunicado con el que se dio a conocer su deceso. Sin embargo, sus hermanas dijeron estar sorprendidas e indignadas por ver como «se la venera como una santa» después de haber mentido sobre su origen. También afirmó que su padre era alcohólico y abusó de todas las mujeres de la familia, incluida su madre blanca.

Una infancia de fantasía

Orlandi indicó que le llena de furia que su hermana mintiera sobre haber tenido una educación violenta y empobrecida. Aseguró que en realidad se adueñó de las experiencias de la infancia de su padre. «Mi padre era sordo y había perdido la audición a los nueve años a causa de la meningitis», sumó Cruz. «Él nació en la pobreza. Su padre, George Cruz, era un alcohólico que era violento y solía golpearlo. Y lo pasaron a hogares adoptivos y familiares. Pero mi hermana Sacheen tomó aquella historia y la hizo suya».

«El padre de mi padre, George, era el alcohólico. Mi papá nunca bebió. Mi papá nunca fumó. Y sabes, ella también lo criticó y dijo que mi padre tenía una enfermedad mental. Mi padre no era un enfermo mental», aseguró la mujer.

En distintas entrevistas, Littlefeather se refirió a una infancia sumida en la pobreza. «Nunca vi una reserva hasta que tuve 17 años», dijo Littlefeather en una entrevista publicada en 1974. Agregó: «Vivía en una choza en Salinas, California. Recuerdo el día que conseguimos un baño, llevé a los niños del vecindario y les di el recorrido. Eso me enfurece», exclamó Orlandi cuando le contaron la cita. «Nuestra casa tenía un baño… Y no es una choza, está bien, tengo fotos de eso. Por supuesto, teníamos un baño».

Ninguna de las hermanas sabe de dónde viene el nombre Littlefeather. Orlandi se burló de las declaraciones de su hermana de que recibió el nombre de su padre cuando bailaba frente a él, sosteniendo una sola pluma en alto. «¿Que bailaba frente a mi padre y siempre llevaba una pluma en el pelo, en la cabeza? Y fue entonces cuando mi padre la llamó ‘Pequeña pluma’ Esa es otra fantasía», aseguró.

«Sacheen no se gustaba a sí misma. No le gustaba ser mexicana. Entonces, era mejor para ella interpretar a otra persona. Quiero decir, no iba a ser una princesa mexico-estadounidense», apuntó Orlandi sobre el fraude pergeñado por su hermana. «Vas a ser una princesa nativo estadounidense. Era más prestigioso ser nativo estadounidense que latina en su mente», señaló.

San Francisco Chronicle encontró registros de la familia de Cruz en México que se remontan a 1850, todos identificados como blancos o mexicanos desde 1880 en su ingreso a los Estados Unidos. Además, la tribu White Mountain Apache no tenía registros de inscripción de Sacheen Littlefeather ni de ningún miembro de la familia, vivo o muerto. Orlandi agregó: «Mi hermana creó una fantasía, vivió en una fantasía y murió en una fantasía».

EFE

La Bienal Internacional del Cartel en México otorgó la medalla a la excelencia José Guadalupe Posada al diseñador Santiago Pol, nacido en España y nacionalizado venezolano, por su labor en las artes y el diseño.

A través de una carta compartida por la organización se detalla la importancia de la labor ejecutada por el creador, quien ha diseñado más de 500 carteles a lo largo de su trayectoria.

«Distinguido Santiago Pol, la Bienal Internacional del Cartel en México está persuadida que la promoción del bienestar social, mediante el fomento de la cultura como senda del progreso intelectual del individuo. Es factible solo si somos capaces de mantener vivo el fulgor de la creación comunal y profusa», mencionó el texto.

Santiago Pol y su premio a la excelencia

Asimismo, destacan el compromiso del diseñador con la promoción y fusión de las artes, y la contribución en el desarrollo de la asociación mexicana.

«Hemos decidido otorgarle la Medalla a la Excelencia José Guadalupe Posada. Máximo reconocimiento que otorga la Bienal a un creador en activo, y con una gran trayectoria que se haya caracterizado por sus aportaciones al desarrollo del diseño».

Por otra parte, la organización queda a la espera de la aceptación por parte de Santiago Pol. Además hará la entrega de la medalla en sus manos el día 27 de octubre, en la ceremonia de inauguración y premiación.

El acto tendrá lugar en el Museo Interactivo de Economía de la Ciudad de México, con hora local de 7:30 pm. «Estamos convencidos que solo a través del diseño se logra el espacio de acción donde cada uno puede transformar el entorno en miras de una sociedad integrada», finalizó la carta.

RONDA

La filosofía de la canción moderna, primer libro con textos inéditos que el cantante y compositor estadounidense Bob Dylan publicará desde 2004, contendrá las reflexiones del Premio Nobel de Literatura sobre 66 canciones, desde «London Calling» de The Clash, hasta «Don’t Let Me Be Misunderstood» interpretada por artistas como Nina Simone.

En sus 66 ensayos destacan grandes ausencias como The Beatles o los Rolling Stones, o hitos de la música en otros idiomas, como español o francés, lo que no ha impedido que el presidente y consejero delegado de la editorial Simon & Schuster, Jonathan Karp, defina el trabajo como «una celebración internacional de canciones de los mejores artistas de nuestro tiempo».

La única canción que no está en inglés es la italiana «Volare» del italiano Domenico Modugno.

«Este libro solo podía haber sido escrito por Bob Dylan. Su voz única y su trabajo expresan su profunda apreciación y entendimiento de las canciones, las personas que les dan vida, y lo que las canciones significan para todos nosotros», escribió Karp en marzo coincidiendo con el anuncio de la publicación del libro, que se podrá adquirir el 1 de noviembre.

Canciones como «Without a Song», interpretada por artistas como Frank Sinatra, «Tutti Frutti», de Little Richard o «You Don’t Know Me», cantada por Ray Charles, son abordadas por el artista junto a otras de Carlos Santana («Black Magic Woman»), Cher («Gypsies, Tramps & Thieves») o Shirley y Lee («Feel so good»).

La editorial publicó el nombre de las canciones, pero no especificó si Dylan se centra en la interpretación de un cantante en concreto o en distintas versiones.

Meditaciones y reflexiones

Es sobre todo música pop, rock, soul y country creada entre los años 50 y los años 70 del siglo pasado, aunque con alguna incursión en otras eras y estilos como «Nelly Was a Lady» cuya autoría se remonta a mediados del siglo XIX o canciones punk como «Pump it Up» de Elvis Costello o la mencionada «London Calling».

Según la editorial, los escritos de Dylan, aunque hablan de música «en realidad son meditaciones y reflexiones sobre la condición humana».

Como un pequeño adelanto, la editorial difundió unos párrafos sobre la canción «Strangers in the Night» (Extraños en la noche) que hizo famosa Frank Sinatra y que Dylan califica como la canción del «lobo solitario, del marginado, del extranjero, del búho nocturno»

El libro se puede reservar entre 37 y 45 dólares en copia impresa, por unos 35 dólares en versión audiolibro y 20 dólares en copia para libro electrónico.

CNN

El lanzamiento la semana pasada del nuevo sencillo de Shakira, «Monotonía», en colaboración con Ozuna, rompió varios récords, entre ellos el del ser el debut más grande en español en lo que va de año.

La esperada canción de la barranquillera tuvo más de 3 millones de reproducciones en las primeras 24 horas y debutó en el puesto 12 a escala mundial en Spotify.

Mientras que el video, que codirigió con Jaume de Laiguana, tuvo más de 20 millones de visualizaciones en el primer día de estreno, siendo el número 1 en tendencias en YouTube, recopiló la productora Sony en un comunicado.

«Monotonía»

Esto convierte al nuevo tema, que lanzó tras su ruptura con el futbolista español Gerard Piqué, en el debut más grande en español de 2022, el debut femenino en solitario más grande en YouTube y el debut más grande de la carrera de Shakira.

«Monotonía» es, tras el tema «Te felicito» -que sacó junto con el puertorriqueño Rauw Alejandro-, el segundo sencillo del nuevo proyecto de Shakira, que desde que sacó «El dorado» en 2017 no publica ningún álbum de estudio.

Es una canción de desamor, dedicada indirectamente al padre de sus dos hijos con quien estuvo 12 años, donde dice justamente lo que la colombiana ya había publicado en sus redes sociales: «No fue culpa tuya, ni tampoco culpa mía, fue culpa de la monotonía».

En el clip, la artista aparece llorando en una tienda y, tras ser atacada con una bazuca, recoge su corazón por el piso y lo lleva en las manos por la calle.

El Nacional

El director de orquesta Gustavo Dudamel dirigió el martes a la Filarmónica de Los Angeles en su retorno al mítico escenario Carnegie Hall de Nueva York después de unos 30 años de ausencia.

Dudamel y la Filarmónica de Los Angeles, inmersos en su primera gira tras el estallido de la pandemia, contaron esa noche con la joven violinista española María Dueñas, que a sus 19 años de edad ya fue ganadora del concurso Menuhin 2021 y que el martes cosechó calurosos aplausos del público que llenó la platea del Carnegie.

Dudamel y la Filarmónica angelina interpretaron el concierto de la mexicana Gabriela Ortiz Altar de cuerda, que bebe de varias tradiciones musicales para invitar a la reflexión, y la Primera Sinfonía de Gustav Mahler.

En un momento dado, Dudamel bajó del atril y se dirigió a la primera fila de butacas, donde estaba sentada Gabriela Ortiz, quien subió al escenario y fue ovacionada por el público, que la reconoció de inmediato.

La compañía dirigida por Dudamel volverá al Carnegie este miércoles para interpretar un programa diferente; en ese caso, la violinista invitada será Anne Akiko Meyers, y juntos interpretarán Kauyumari, también de Gabriela Ortiz; Fandango, de Arturo Márquez, y la Tercera Sinfonía de Aaron Copland.

La gira de la orquesta terminará en México en un homenaje a dos de los más grandes compositores vivos mexicanos como son Ortiz y Márquez.

Globovision

A pocos días del lanzamiento oficial de Friends, Lovers and the Big Terrible Thing, la autobiografía oficial de Matthew Perry, se comienzan a conocer algunas de las revelaciones que el actor hizo sobre su vida. En sus páginas, el actor relató con franqueza y crudeza su larga lucha contra las adicciones, algo con lo que batalló casi toda su vida.

Mientras promociona lo que seguramente será un éxito editorial, Perry, de 53 años, reconoció durante una entrevista la enorme cantidad de dinero que tuvo que invertir en tratamientos para lograr estar sobrio. «Probablemente he gastado 9 millones de dólares o algo así tratando de estar sobrio», dijo en una entrevista con el New York Times en donde también reveló que lleva 18 meses sin beber alcohol.

Este último dato permite sacar la conclusión de que el actor, que interpretaba a Chandler Bing en la popular sitcom, estaba cursando sus primeros días de sobriedad cuando se grabó el especial de Friends, emitido en mayo de 2021, en donde los seis protagonistas se juntaron por primera vez frente a una cámara, tras el final de la tira.

9 millones de dólares en tratamientos es un valor que Perry pudo afrontar sin problemas, ya que el actor cuenta con un capital de 120 millones de dólares, según Celebrity Net Worth. La estrella hizo la mayor parte de su fortuna durante los 10 años que trabajó en Friends. Al igual que sus compañeros comenzó ganando 22.500 dólares por episodio en la primera temporada y terminó facturando un millón de dólares por episodio en los dos últimos años.

El viernes por la mañana, Perry fue visto por primera vez desde que las revelaciones sobre sus graves problemas de salud salieron a la luz. El actor se dedicó durante una hora a jugar al tenis con un grupo de amigos. En las imágenes se lo puede ver sano y feliz mientras disfrutaba de un día al aire libre.

Las revelaciones de Perry

Una de las revelaciones más fuertes de su libro es cuando cuenta que casi muere a los 49 años a causa de una perforación gastrointestinal. Según explicó, el actor luchó durante varias semanas por su vida luego de que su colon estallara por el uso excesivo de opioides. Dos semanas en coma, cinco meses en el hospital y una bolsa de colostomía que tuvo que utilizar durante nueve meses fueron el resultado de todo.

«Los médicos le dijeron a mi familia que tenía un 2% de posibilidades de vivir. Me pusieron una cosa llamada máquina ECMO, que hace toda la respiración para el corazón y los pulmones.. (…) Nadie sobrevive a eso», confesó. «Había cinco personas puestas en una máquina ECMO esa noche y las otras cuatro murieron y yo sobreviví. Así que la gran pregunta es ¿por qué? ¿Por qué fui yo el indicado? Tiene que haber algún tipo de razón», agregó.

Mientras triunfaba en la pantalla con Friends, la realidad detrás de cámara era muy cruda para Perry. En un momento, la estrella tomaba 55 pastillas de Vicodin (un analgésico para dolores moderados a intensos) por día y había bajado considerablemente de peso. «No sabía cómo parar. Si la policía hubiese venido a mi casa para decirme ‘si tomas esta noche, te llevaremos a la cárcel’, hubiera comenzado a empacar. No podía parar porque la enfermedad y la adicción son progresivas. Así que empeora cada vez más a medida que envejeces», reconoció quien a lo largo de estos años entró alrededor de 15 veces en rehabilitación.

En ese tormentoso momento, sus compañeros de elenco funcionaron como un gran sostén. «Es como ocurre con los pingüinos. Los pingüinos, en la naturaleza, cuando uno está enfermo, o cuando uno está muy herido, es rodeado por sus pares, que lo sostienen. Caminan alrededor de él hasta que ese pingüino puede caminar por sí solo. Eso es más o menos lo que el elenco hizo por mí», expresó en referencia a la actitud que tomaron Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, y David Schwimmer.

Tras asegurar que compartir con el público su historia de vida fue movilizante, Perry advirtió durante una entrevista promocional que los lectores se van a sorprender al conocer lo cerca que estuvo de la muerte mientras brillaba y era aplaudido por millones en la pantalla chica. «Creo que se sorprenderán de lo mal que se puso en ciertos momentos y lo cerca que estuve de morir. Digo en el libro que si muriera, sorprendería a la gente, pero no sorprendería a nadie. Y eso es algo muy aterrador con lo que vivir. Así que mi esperanza es que la gente se identifique con ella, y sepa que esta enfermedad ataca a todo el mundo. No importa si tenés éxito o no, a la enfermedad no le importa», opinó.

EFE

En pleno arranque de la gira promocional de «Avatar: The Way of Water», James Cameron ofreció una entrevista con el diario The New York Times en la que criticó la falta de madurez que, según su parecer, tienen los protagonistas de las películas de Marvel y DC Comics.

«Cuando veo todas esas películas grandes y espectaculares, me refiero a Marvel y DC, no importa lo mayores que sean sus personajes, todos actúan como si estuvieran en el instituto», aseguró el veterano cineasta.

De acuerdo con Cameron, los protagonistas de estas franquicias «tienen relaciones, pero realmente no» y «nunca cuelgan sus espuelas por sus hijos».

«¿Las cosas que realmente nos ponen los pies en el suelo y nos dan poder, amor y un propósito? Esos personajes no lo experimentan, y creo que esa no es la manera de hacer películas», añadió.

Cameron hizo este comentario después de explicar que la trama de la secuela de «Avatar» transcurre 15 años después de la historia original con los personajes de Sam Worthington y Zoe Saldaña; siendo padres y limitándose mucho más a la hora de tomar riesgos.

«Como padre de cinco hijos digo: ¿qué pasa cuando todos esos personajes maduran y se dan cuenta de que tienen otra responsabilidad más allá de su supervivencia?», explicó.

James Cameron

En otra de sus respuestas, el director de filmes como «Titanic» (1997) y «The Terminator» (1984); también presumió de que gran parte de las escenas de su nuevo filme se han rodado bajo el agua mientras que otros filmes como «Aquaman» o la nueva versión de «Little Mermaid» han tirado de avances tecnológicos para evitar sumergirse.

«Si quieres que parezca que la gente está bajo el agua, entonces tienen que estar bajo el agua -señaló-. Si estuvieras haciendo un ‘western’ estarías aprendiendo a montar a caballo».

“Avatar: The Way of Water” llega a los cines de todo el mundo el 16 de noviembre como la secuela de «Avatar». Considerada aún la cinta más taquillera de la historia desde su estreno en 2009.

Cameron no es el primer cineasta que muestra públicamente su desencanto con el cine de superhéroes. Hace unos años, Martin Scorserse despertó un agitado debate tras considerar que las películas de Marvel estaban más cerca de ser «un parque temático» que de ser cine, entendido como expresión artística.

Globovision

El Festival de Cine Europeo de la ciudad española de Sevilla acogerá el estreno de siete títulos de producción portuguesa en varias de las secciones competitivas del certamen, del 4 al 12 de noviembre próximo.

Según informó este miércoles el festival, la cinematografía portuguesa es una de las corrientes más vitales, fértiles y renovadoras del panorama europeo, que ya en 2013, bajo el epígrafe ‘Focus Europa: Portugal’, ofreció una amplia panorámica de ese país.

En este sentido, el Giraldillo de Oro de 2017, máximo galardón del certamen, fue concedido a ‘La fábrica de nada’, de Pedro Pinho, un ejemplo de la especial relación que Sevilla tiene con el cine portugués.

En la sección oficial de este año competirá João Pedro Rodrigues, director clave del reciente cine portugués, que se presenta esta vez en Sevilla con ‘Fogo-fátuo’.

Asimismo, en la sección de nuevas olas podrán verse tres películas, ‘A noiva‘ (Sérgio Tréfaut), ‘Nação valente’ (Carlos Conceição) y ‘Nayola’ (José Miguel Ribeiro).

En la nuevas olas de no ficción, competirán Susana de Sousa Dias y Ansgar Schaefer con ‘Viagem ao sol‘; y Nuno Beato, con ‘Los demonios de barro’, en el apartado de historias extraordinarias.

La lista de películas portuguesas se completa con Rita Azevedo Gomes y ‘El trío en mi bemol’, que podrá verse en la sección de revoluciones permanentes.

2001

Rihanna lleva seis años de silencio pero parece que éste llega a su fin el próximo 28 de octubre cuando verá la luz el nuevo tema de la banda sonora de «Black Panther: Wakanda Forever», la nueva película de acción de Marvel de la saga «Black Panther».

Marvel ha publicado un tuit en el que resalta la letra «R» de «Black Panther: Wakanda Forever», lo que la mayor parte de la prensa estadounidense ha entendido como una confirmación de los rumores que desde hace una semana circulan por internet sobre la vuelta a la música de la diva de Barbados.

La cantante lleva seis años sin sacar un nuevo trabajo, hace tres lanzó una colaboración con el rapero y cantante de r&b PartyNextDoor, «Believe It», una reaparición que volvió a alimentar las expectativas de los seguidores por su esperado noveno disco.

Tras años de especulaciones, en 2018 la propia Rihanna confirmó por primera vez que habría nuevo disco. Según se especuló, podría ser un trabajo doble integrado por un disco más pop y otro más experimental a partir de sus raíces caribeñas.

Rihanna regresa con todo

«Me gusta pensar en él como un disco inspirado en el reggae. No va a ser reggae tal cual lo conocemos, pero habrá elementos así en todos los cortes. (…) Está en mi sangre, no importa cuán lejos me encuentre de esa cultura o del ambiente en el que crecí. Nunca me abandona y, aunque exploré otros estilos, es tiempo de volver atrás», comentó en una entrevista con Vogue.

«R9», el título provisional que se la ha dado al noveno disco de Rihanna -a la espera de su nombre oficial-, parece que llegará pronto. La NFL anunció en septiembre que la cantante sería la protagonista del esperado espectáculo de la Superbowl, el próximo 12 de febrero en Arizona.

Si «Black Panther: Wakanda Forever», que se estrena el 11 de noviembre, sigue el ejemplo de la primera película de la saga -«Black Panther» («Pantera negra»)- su banda sonora primará a los músicos de color, en aquel proyecto el tema principal era de Kendrick Lamar y participaron artistas como The Weekend y Travis Scott.

En los trailer de la nueva película está acompañada por el tema «No woman, no cry», de Bob Marley, interpretado por Temilade Openiyi, una artista nigeriana conocida como Teams, y finaliza con «Alright» del rapero Kendrick Lamar.

2001