Una de las series más exitosas y populares de Netflix fue sin dudas La casa de papel. La ficción española acerca de los ambiciosos atracadores con sus mamelucos rojos, caretas de Dalí y nombres de ciudades del mundo atravesó fronteras, se convirtió en un fenómeno mundial y catapultó a sus actores al escenario de la fama internacional.

Si bien el producto original creado por Álex Pina culminó en 2021 con la quinta y última temporada, una remake de esta historia se estrenó este mes en la misma plataforma de streaming: se trata de la versión coreana de La casa de papel, que fue recibida con gran expectativa por los fanáticos de la serie, y ya despertó las primeras reacciones de los actores originales de la exitosa realización, que se expresaron en redes al conocer el lanzamiento de esta producción.

La casa de papel: Corea se estrenó el 24 de junio en las plataformas de Netflix, tanto en latinoamérica como en España. Son seis episodios que parecen respetar, con diferencias de contexto geográfico obvias, el relato original de la saga ibérica. En este caso, el objetivo de los atracadores se relaciona con una unificación política y monetaria de las dos coreas -del Norte y del Sur-, lo que habilita al grupo de delincuentes de alto nivel a organizar y cometer lo que ellos llaman “el robo más grande de la historia”.

El elenco de la remake asiática está encabezado por Park Hae-Soo, quien da vida al Berlín coreano y que el público de este lado del mundo conoce por su rol entre los protagonistas de El juego del calamar. La nueva versión de la historia de los atracadores provocó también que los actores originales de la producción reaccionaran ante su estreno y su manifestación al respecto quedó visibilizada en las redes sociales.

Así fue como, básicamente, los intérpretes de la versión primigenia de La casa de papel aparecieron en la cuenta oficial de Netflix España para dar la bienvenida a sus colegas coreanos. Así es que en una sucesiva serie de tuits que subió la citada cuenta es posible ver a Itzar Ituño (el personaje de Lisboa), Pedro Alonso (Berlín), Esther Acebo (Estocolmo), Enrique Arce (Arturito) y Rafa (Patrick Criado), que sostienen sonrientes la máscara que usan los ladrones en la versión coreana.

En este caso, la careta no es de Salvador Dalí, sino que representa a Hahoe, una danza de máscaras tradicional y antiquísima de ese país asiático, que fue declarada incluso Patrimonio Cultural Intangible de Corea.

Las imágenes de los actores españoles -que están secundados por afiches de sus personajes- corresponden a una movida promocional de Netflix para difundir el estreno de la nueva versión de la serie. En el tuit subido a la cuenta oficial de la plataforma en España, una leyenda dice: “Los Lisboa, Berlín, Estocolmo, Arturito y Rafa de España le dan la bienvenida al remake coreano de #LCDP. Ya está disponible. #Lacasadepapel”.

Por su parte, y por fuera del andamiaje de promoción de La casa de papel: Corea, el actor que interpretó a Berlín en la historia producida en España, Paco Tous, también saludó la llegada de la realización coreana. Lo hizo con un sencillo comentario debajo del aviso de la serie en Instagram. «Enhorabuena», escribió, a lo que agregó tres signos de admiración.

La máscara de la versión coreana de La casa de papel
La máscara de la versión coreana es una de las diferencias estéticas más notables entre el original y su remake. El propio actor de Corea, Park Hae-soo, explicó lo que representan estas caretas para las dos historias, tal como lo consigna la página de cine y series spin-off: «En España, la máscara de Dalí se utilizó para enviar el mensaje de libertad, y en Corea, utilizamos la máscara de Hahoe de la zona de Andong (la ciudad más grande del norte de Corea del Sur), y la máscara de Hahoe tiene cierto significado».

Luego, el intérprete explicó lo que simboliza la máscara: «Encarna la crítica a los poderosos, y también tiene sentido del humor. Cuando me trajeron la máscara por primera vez sentí una sensación de poder abrumadora que creció cuando todos los miembros del reparto la llevaban. Tiene diferentes ángulos desde el centro y desde el lado también. El aspecto de la máscara desde distintos ángulos puede parecer bastante diferente».

En el ritual de danza del Hahoe había doce máscaras originales, y la elegida para la serie es la de Yangban, que simboliza a un aristócrata que era objeto de burla en estos bailes. Jun jong-seo, la actriz que interpreta a la Tokyo en La casa de papel: Corea, expresó: «Cuando nos enteramos que se había elegido la máscara Hahoe, y cuando vimos la máscara en realidad, me sorprendió mucho porque no es una máscara de aspecto sencillo, sino que tiene una gran sonrisa y transmite un sentido del humor y, al mismo tiempo, una sensación de misterio. Tiene un significado de múltiples capas».

Lo cierto es que esta particular careta que utilizan los atracadores de una imaginaria Corea unificada sirvió también para que los actores de la producción original española le dieran la bienvenida a sus colegas del otro lado del mundo.

El Universal

El director canadiense David Cronenberg recibirá uno de los premios Donostia que otorgará el Festival de Cine de San Sebastián en su edición 70, que se celebrará del 16 al 24 de septiembre.

Cronenberg (Toronto, 1943) se une así a la actriz francesa Juliette Binoche, cuyo nombre como galardonada de la próxima edición del certamen ya fue anunciado el pasado 13 de mayo.

El cineasta, «uno de los más singulares del último medio siglo», según destaca la organización en una nota, recogerá la mayor distinción honorífica del Festival de San Sebastián el 21 de septiembre en el Teatro Victoria Eugenia.

Será en una ceremonia tras la que se proyectará su último trabajo, Crimes of the future, protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart, que concursó en el último Festival de Cannes.

«Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller. También es autor de numerosos trabajos para televisión», subraya la organización en un comunicado.

Cronenberg visitó una vez el Festival de San Sebastián, en 2007, cuando Promesas del Este inauguró la Sección Oficial, tres años después de la proyección de otro de sus títulos, Crash, de 1996, dentro de la retrospectiva Incorrect@s.

Este realizador autodidacta, también guionista y actor, se suma así al listado de directoras y directores que han recibido el Premio Donostia, entre ellos Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.

El festival cuenta que Cronenberg, hijo de una pianista y de un escritor, «creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine».

Se inició con cortos como Transfer (1966) y From the drain (1967), a los que siguieron los largometrajes de corte experimental Stereo (1969) y Crimes of the future (1970). El título del último coincide con el de su película más reciente.

Los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne. Después filmó The Fly (1986), Inseparables (1988) y M. Butterfly (1993), las dos últimas con Jeremy Irons.

Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King –La zona muerta (1983)-, William Burroughs – El almuerzo desnudo (1991)- y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash, con la que obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cannes.

Tras eXistenZ (1999) y Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine. Ahora, con Crimes of the future, ha hecho una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones y ha contado por cuarta vez con el actor Viggo Mortensen, con el que ha trabajó en A History of Violence (2005), Eastern Promises y A Dangerous Method (2011).

2001

Después de más de seis décadas de hacer que las bicicletas vuelen, los nadadores salgan aterrados a la orilla y se produzcan otros encuentros cercanos fascinantes, John Williams escribe las notas finales de lo que podría ser su última banda sonora.

«En este momento estoy trabajando en Indiana Jones 5, que creo que Harrison Ford, que es bastante más joven que yo, anunció que será su última película», dice Williams. «Entonces pensé, si Harrison puede hacerlo, entonces quizás yo también».

Ford, que conste, no ha dicho eso públicamente. Y Williams, que cumplió 90 años en febrero, tampoco está absolutamente seguro de estar listo para retirarse.

«No quiero que me vean eliminando categóricamente ninguna actividad», dice Williams riendo en una entrevista telefónica desde su casa en Los Ángeles. «No puedo jugar al tenis, pero me gusta poder creer que tal vez algún día lo haré».

En este momento, sin embargo, hay otras maneras en las que Williams quiere pasar su tiempo. Una película de Star Wars exige seis meses de trabajo que, señala, «a estas alturas de la vida es un largo compromiso para mí». En cambio, se dedica a componer música de concierto, incluido uno para piano que escribe para Emanuel Ax.

Trabajo musical junto a Yo-Yo Ma
El mes pasado, Williams y el violonchelista Yo-Yo Ma lanzaron el álbum A Gathering of Friends, grabado con la Filarmónica de Nueva York, el guitarrista español Pablo Sáinz-Villegas y la arpista china Jessica Zhou. Es una radiante colección de conciertos para violonchelo y nuevos arreglos de las partituras de Schindler’s List, Lincoln y Munich, incluida la sublime A Prayer for Peace.

Cumplir 90 años, un hito que el Centro Kennedy y el festival de Tanglewood celebran este verano con conciertos de cumpleaños, ha provocado que Williams reflexione sobre sus logros, sus ambiciones restantes y lo que ha significado para él toda una vida dedicada a la música.

«Me ha dado la capacidad de respirar, la capacidad de vivir y comprender que hay más que la vida corporal», dice Williams. «Sin ser religioso, que no lo soy en especial, hay una vida espiritual, una vida artística, un reino que está por encima de la mundanidad de las realidades cotidianas. La música puede elevar nuestro pensamiento al nivel de la poesía. Podemos reflexionar sobre lo necesaria que ha sido la música para la humanidad. Siempre me gusta especular que la música es más antigua que el lenguaje, que probablemente estábamos tocando tambores y soplando cañas antes de que pudiéramos hablar. Así que es una parte esencial de nuestra humanidad».

«Me ha dado mi vida», dice.

Y, a su vez, Williams ha proporcionado la banda sonora a la vida de innumerables personas a través de más de 100 películas, entre ellas Star Wars, Jurassic Park, Jaws, Close Encounters of the Third Kind, E.T., Indiana Jones, Superman, Schindler’s List y Harry Potter.

«Ha vivido la mayor parte de un siglo, y su música abarca todos los sucesos y cambios de esos tiempos», dice Ma, un viejo amigo de Williams. «Es una de las grandes voces estadounidenses».

Y sus logros son difíciles de cuantificar. Cinco premios Oscar y 52 nominaciones a los Premios de la Academia, un número superado solo por Walt Disney, es una medida. Pero eso no alcanza a reflejar el poder cultural de su música. Millones de personas podrían tararear instantáneamente el ostinato de dos notas de Williams de Jaws o The Imperial March de Star Wars.

«Me han dicho que la música se toca en todo el mundo. ¿Qué podría ser más gratificante que eso?», dice Williams. «Pero tengo que decir que parece irreal. Solo puedo ver lo que está frente a mí en el piano en este momento, y hacer lo mejor que pueda con eso».

Williams tiene una actitud cálida, humilde y cortés a pesar de su talla. Comenzó una entrevista diciendo: «Déjame ver si puedo darte algo que pueda ser útil». Cree que todos esos temas indelebles y perfectamente construidos no son tanto producto de la inspiración divina, sino del arduo trabajo diario. Hace la mayor parte del suyo sentado durante horas frente a su Steinway, componiendo a lápiz.

«Es como cortar una piedra en tu escritorio», dice. «Mis colegas más jóvenes son mucho más rápidos que yo porque tienen equipos electrónicos, computadoras, sintetizadores y demás».

Cuando Williams comenzó (su primera partitura para un largometraje fue Daddy-O de 1958), la tradición cinematográfica de las grandes partituras orquestales empezaba a perder terreno frente a las bandas sonoras pop. Ahora, muchos gravitan hacia la música sintetizada para películas. Cada vez más, Williams tiene el aura de un viejo maestro venerado que une eras distantes del cine y la música.

«Al grabar con la Filarmónica de Nueva York, toda la orquesta quedó impresionada por este caballero de 90 años que escucha todo, es infaliblemente amable, gentil y educado. La gente solo quería tocar para él», dice Ma. «Quedaron anonadados por la maestría musical de este hombre».

Nuevo capítulo en su carrera
Este capítulo en la carrera de Williams es, en cierto modo, una oportunidad para colocar su gigantesco legado no sólo en relación con el cine, sino también entre las leyendas clásicas. Williams, quien dirigió a los Boston Pops de 1980 a 1993, ha dirigido las filarmónicas de Berlín, Viena y Nueva York, entre otras. En las orquestas de élite del mundo, sus composiciones han pasado a formar parte del canon.

«Un purista puede decir que la música representada en el cine no es música absoluta. Bueno, eso puede ser cierto», dice Williams. «Pero parte de la mejor música jamás escrita ha sido narrativa. Ciertamente en la ópera. El cine ofrece esa oportunidad, no a menudo, pero ocasionalmente lo hace. Y de una manera musicalmente gratificante. De vez en cuando tenemos suerte y encontramos una».

Colaboraciones con Spielberg
La sociedad duradera de Williams con Steven Spielberg, por supuesto, ayudó a impulsar la carrera del compositor. Spielberg, quien invitó a Williams a almorzar en 1972 tras quedar cautivado por su partitura de The Reivers, lo ha llamado «el colaborador más significativo para mi éxito como cineasta».

«Sin John Williams, las bicicletas realmente no vuelan», dijo Spielberg cuando el Instituto de Cine Estadounidense (AFI, por sus siglas en inglés) honró a Williams en 2016, haciendo referencia a una emblemática escena de E.T.

Ambos permanecen irrevocablemente vinculados. Sus oficinas en el lote de Universal están a escasos pasos una de la otra. Junto con Indiana Jones, Williams compuso recientemente la música del próximo drama semiautobiográfico de Spielberg The Fabelmans. Con esas dos películas, son 30 juntos para Spielberg y Williams.

«Ya han pasado 50 años. Tal vez estemos comenzando los próximos 50», dice Williams entre risas. «Sean cuales sean nuestras conexiones, ya sea música, trabajar con él o simplemente estar con él, creo que siempre estaremos juntos. Somos grandes amigos que han compartido muchos años juntos. Es el tipo de relación en la que ninguno de nosotros le diría que no al otro».

En las películas de Spielberg y otras, Williams ha creado suficientes melodías perfectamente condensadas para rivalizar con los Beatles. Spielberg describió una vez su Communication Motif de cinco notas en Encuentros cercanos como «un timbre».

“Los temas pequeños y simples que hablan claramente y sin confusión son muy difíciles de encontrar y muy difíciles de crear”, dice Williams. “Realmente son el resultado de mucho trabajo. Es casi como cincelar. Mueve una nota, cambia un énfasis rítmico o la dirección de un intervalo, entre otros. Una melodía simple se puede hacer de docenas de maneras. Si encuentras una, parece que descubriste algo que quería ser descubierto”.

Gran legado
Algo que no se escuchará de Williams es un gran pronunciamiento sobre su propio legado. Se siente mucho más cómodo hablando como un técnico que juega hasta conseguir una gema reluciente.

“Mi propia personalidad es tal que miro lo que he hecho, estoy bastante complacido y orgulloso de mucho de eso, pero como la mayoría de nosotros, siempre deseamos haberlo hecho mejor”, dice. “Vivimos con ejemplos como Beethoven y Bach antes que nosotros, logros monumentales que la gente ha alcanzado en la música, y podemos sentirnos muy honrados. Pero también me siento muy afortunado. He tenido oportunidades maravillosas, particularmente en el cine, donde un compositor puede tener una audiencia no de millones de personas, sino miles de millones”.

Williams tiene programados varios conciertos para el resto del año, incluyendo presentaciones en Los Ángeles, Singapur y Lisboa. Pero si bien puede estar alejándose del cine, sigue encantado con el cine y la capacidad del sonido y la imagen, cuando se combinan, para lograr el despegue.

“Me encantaría estar presente dentro de 100 años para ver qué está haciendo la gente con el cine, el sonido y los efectos espaciales, auditivos y visuales. Creo que tiene un futuro tremendo”, dice Williams. “Puedo sentir una gran posibilidad y un gran futuro en la atmósfera de toda la experiencia. Me encantaría volver y verlo y escucharlo todo”.

EFE

Netflix anunció que comenzó a producir El Conde, una comedia negra dirigida por Pablo Larraín que presenta a Augusto Pinochet como un vampiro de 250 años, informó el viernes la revista estadounidense Variety.

El guión estará a cargo de Guillermo Calderón, quien ya trabajó con Larraín en Neruda y El Club, filme que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín. La producción está a cargo de Fábula, la productora de los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín, que ya ha estado a cargo de películas como Spencer, Jackie y la ganadora del Oscar Una mujer fantástica.

De acuerdo con lo que señala el medio especializado, El Conde gira en torno a Augusto Pinochet, quien no está muerto, sino que es un anciano vampiro que, tras 250 años en este mundo, decidió morir de una vez por todas, debido a las dolencias que le acarrearon su deshonra y conflictos familiares.

La producción estará disponible en Netflix en 2023 y será protagonizada por los actores chilenos Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro y Paula Luchsinger.

«Estamos muy contentos porque Netflix es un lugar donde directores a los que admiro mucho han hecho películas realmente valiosas», señaló Pablo Larraín. Agregó que «a través de la comedia negra queremos observar, comprender y analizar los hechos ocurridos en Chile y el mundo en los últimos 50 años. Tenemos total confianza en que haremos un buen trabajo y sin duda será una aventura: un rodaje exigente, pero muy inspirador y significativo».

Por su parte, Francisco Ramos, vicepresidente de contenido de Netflix para América Latina, manifestó que «por fin podemos trabajar con Pablo Larraín como director. Participar en su próxima película es un verdadero honor para nosotros y sin duda traerá una gran satisfacción a nuestros miembros en Chile y en todo el mundo».

«Pablo es una de las voces más interesantes y significativas del cine latinoamericano de los últimos 20 años. Su mirada sobre Chile y América Latina son fundamentales para entender nuestro continente. No tengo ninguna duda de que El Conde seguirá por el camino que Pablo ha abierto con No y Neruda«, afirmó.

2001

El rapero estadounidense Kendrick Lamar cerró el domingo el telón del festival de música de Glastonbury, en Reino Unido, después de que Paul McCartney interpretara el sábado los clásicos de los Beatles junto a Bruce Springsteen y Dave Grohl.

McCartney, que cumplió 80 años la semana pasada, se convirtió en el cabeza de cartel del escenario principal. Springsteen se unió a él para interpretar «I Wanna Be Your Man» y el exintegrante de Nirvana, Grohl, para «I Saw Her Standing There».

Los clásicos interpretados por el integrante de los Beatles incluyeron «Can’t Buy Me Love», «Love Me Do», «Blackbird», «Helter Skelter», «Let It Be» y «Hey Jude».

Cerca de 100.000 personas asistieron al festival y felicitaron al cantante con una canción de cumpleaños. Fue «una de las actuaciones de Glastonbury más emocionantes, edificantes (…)», escribió el periódico Sunday Telegraph sobre la actuación de McCartney.

El viernes, el presidente de Ucrania, Volodimir Zelenski, participó al festival por videollamada e instó a los asistentes a unirse para detener el conflicto con Rusia.

La pandemia del coronavirus obligó a los organizadores a cancelar las últimas dos ediciones del festival, creado en 1970, un día después de la muerte del cantante y guitarrista estadounidense Jimi Hendrix.

En 2021 fue sustituido por un gran concierto sin público retransmitido en directo por internet, en el que participaron los rockeros británicos Wolf Alice, el trío de pop rock Haim y los veteranos del festival, Coldplay.

Este año se agotaron las entradas. La mayoría de ellas fueron asignadas a quienes tenían boletos para ediciones anteriores anuladas.

El cartel incluyó artistas como Billie Elish, Diana Ross, el cantante de Led Zeppelin Robert Plant, la cantautora neozelandesa Lorde y el dúo de electro-pop Pet Shop Boys.

Globovision