Tragedia personal, farsa, comedia involuntaria, ejecutivos desconcertados, fans apasionados… Todo eso aunó Justice League (2017) que ahora llega a su broche final: el extenso y muy esperado nuevo montaje de Zack Snyder.

“Tener la oportunidad de terminarla fue algo que todos sentimos que sería una experiencia de catarsis. Y en verdad así ha sido”, aseguró el director a Efe sobre este disparatado proyecto que llega mañana a HBO Max y que, al menos, supone una clara mejoría respecto a la cinta firmada por Joss Whedon.

No resulta fácil resumir la retorcida andadura de Justice League.

Snyder dirigió esta ambiciosa película que iba a juntar a todos los superhéroes de las películas de DC Comics como hizo Marvel en las cintas sobre Avengers.

Sin embargo, Zack Snyder y su esposa Deborah Snyder, que es productora en todas sus películas, tuvieron que abandonar el proyecto en su última fase debido al suicidio de su hija Autumn.

Joss Whedon (Buffy the Vampire Slayer, 1997-2003) se incorporó entonces como sustituto, pero el resultado fue un absoluto despropósito.

Whedon rodó un montón de escenas nuevas, cambió el tono a un pastiche que no era ni cómico ni épico, la cinta se estrelló en la taquilla y, además, el actor Ray Fisher lo acusó de comportamiento abusivo en el set.

A partir de ahí comenzó a extenderse entre los fans la idea de que la visión de Zack Snyder para Justice League se había pervertido y exigieron que se estrenara su propio montaje de la película.

La campaña #ReleaseTheSnyderCut tomó forma en Internet, con algunos lamentables episodios de acoso en las redes, y finalmente Snyder confirmó que el sueño de sus seguidores se haría realidad en HBO Max.

Zack Snyder’s Justice League, por su título completo, mantiene el elenco original: Ben Affleck, Gal Gadot, Henry Cavill, Jason Momoa, Ezra Miller y Ray Fisher.

Pero a lo largo de sus cuatro horas (la original duraba dos), Snyder se ha dado el capricho de meter nuevos villanos, tramas diferentes y personajes sorprendentes (el Joker de Jared Leto no aparecía en la primera película), todo ello embadurnado de un tono ampuloso, babilónico y repleto de esteroides que enamorará a los fans de 300 (2006) y que espantará a quien busque un mínimo de sutileza.

Una “sinfonía inacabada”

—Supongo que la pregunta que mucha gente se hace es “por qué”. ¿Por qué cuatro años después de la Justice League original decidió embarcarse en este proyecto?

—Sí, el porqué… Porque en realidad nunca hice la otra película, nunca terminé esa película.

Era una de esas cosas que siempre tuve… No quiero decir que no saliera de mi cabeza. Pero sí que era ciertamente una sinfonía inacabada que nunca iba a ver la luz.

Creo que tener la oportunidad de terminarla fue algo que todos sentimos que sería una experiencia de catarsis. Y en verdad así ha sido.

—Nuevos personajes, nuevas tramas, cuatro horas en lugar de dos… ¿Es un nuevo montaje o una película completamente nueva y diferente?

—Es bien conocido que nunca llegué a ver la versión de cines de Justice League así que para mí esto es una película totalmente nueva porque mi cinta nunca se estrenó, en mi opinión.

Espero que los fans y también los no iniciados se sienten a ver lo que yo diría que es una gigantesca y desbordante película de superhéroes que lleva esta mitología a otro nivel.

—Se ha hablado mucho de cuál era su visión original para Justice League.

—Si miras a toda la trilogía puedes empezar examinando el “aspect ratio” (relación proporcional entre el ancho y el alto de una imagen).

Man of Steel (2013) era una película anamórfica: la rodamos en formato panorámico. Batman v Superman: Dawn of Justice (2016) fue una combinación de anamórfico e IMAX, una relación entre el rectángulo y el cuadrado.

Y ahora esta tercera película es vertical, ya que creo que va de levantarse a lo largo de la trilogía. Es una especie de metáfora visual en la que puedes ver eso.

Así que el gran tema (de Justice League) es encontrar tu lugar, unir esfuerzos, convertirse en una familia y en una comunidad, y también convertirse en un individuo que está seguro y completo.

Esos son siempre los problemas. Todos los superhéroes tienen un problema, ya sea su padre, su madre, a dónde pertenecen o no… Francamente, es lo que todos afrontamos en nuestro día a día.

Creo que las metáforas de la película son realmente potentes y que los actores y sus interpretaciones son realmente potentes para preguntarse qué es estar en una comunidad y qué es ser una persona totalmente realizada que está ayudando.

Deborah Snyder y los fans “tóxicos”

—La campaña de los fans para conseguir esta nueva Justice League fue enorme, pero también hubo críticas a ciertos elementos que fueron muy tóxicos. ¿Qué opina de ello?

Deborah Snyder: Creo que la toxicidad en internet no es algo bueno. Que se ataque a la gente personalmente… Creo que las personas deberían responder por sus acciones y creo que en internet a veces hay un anonimato que permite decir ciertas cosas.

Lo que sí sé de esta comunidad de fans es que, incluso aunque tenían muchísimas ganas de que se estrenara esto, al mismo tiempo generaron mucha conciencia sobre la salud mental y la prevención de los suicidios.

De cada dólar que recaudaron para esos carteles y esas avionetas que sobrevolaban el estudio de Warner Bros., la mitad de ese dinero iba después a una gran causa. Y la gente hablaba de ello, hablaba de salud mental.

Para mí, eso fue una parte increíble y muy positiva. Esta comunidad de fans salvó de hecho vidas y continúa haciéndolo.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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Lady Gaga y Adam Driver rodaron este miércoles en el Lago de Como, en el norte de Italia, la película de Ridley Scott sobre el asesinato de Maurizio Gucci en 1995, una producción criticada por miembros de esa dinastía de la moda.

En la película House of Gucci, Gaga se mete en la piel de Patrizia Reggiani, la exesposa de Maurizio Gucci, interpretado por Driver, al que ordenó asesinar a tiros en 1995 en Milán (norte de Italia), un crimen por el que la “viuda negra” pasó dieciocho años en prisión.

Tras llegar a Roma hace un mes se ha podido ver a Gaga y al actor grabando en varios puntos de Milán, como los aledaños de la Universidad Statale o la céntrica via Montenapoleone, el distrito de la alta costura y el lujo de la ciudad italiana.

Los propios actores compartieron en sus redes sociales una foto de ambos en lo que parece una pista de esquí de Gressoney, en plenos Alpes, en la región italiana de Valle de Aosta.

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Este miércoles los camiones de la producción llegaron al Lago de Como, en cuyas fastuosas villas descansan a menudo muchas estrellas y magnates de todo el mundo.

En el rodaje se pudo ver a la cantante de “Bad Romance” vestida con un traje de encaje blanco y con el pelo castaño, acompañada por Driver, con chaqueta y camisa informal a cuadros azules, en lo que parece una fiesta en un concurrido jardín con piscina a orillas del lago.

Este será el segundo papel como protagonista en el cine de Gaga tras A Star is Born (2019), con la que ganó el Oscar a la Mejor Canción Original, y ya ha actuado en cintas como Machete Kills (2013) o en la saga televisiva American Horror Story.

En esta ocasión la artista se pone a las órdenes de Ridley Scott para interpretar a Patrizia Reggiani, condenada por ordenar el asesinato de Maurizio Gucci, tiroteado por un sicario el 27 de marzo de 1995 en Milán.

La película sobre la dinastía de la moda se basará en el libro The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed de Sara Gay Forden.

No obstante, la producción ya recibió críticas desde la familia de la moda, que lamentó que nadie les haya contactado a la hora de crear la historia.

La escritora Patrizia Gucci, autora de la biografía de su familia e hija de Paolo Gucci, de quien se cree que hará Jared Leto, lamentó que nadie del equipo de la cinta haya pedido permiso para hablar de hechos privados.

“En la familia estamos seguros de que el filme tendrá errores e imprecisiones que no tienen que ver con la verdad histórica”, afirmó en declaraciones publicadas por los medios locales.

Y agregó: “Por lo que sabemos, se realizará comprando los derechos de un libro de una periodista británica, un trabajo que consideramos absolutamente sin fundamento. Ni Ridley Scott ni nadie nos ha avisado y lo sentimos”.

Las críticas llegan incluso de la propia Reggiani, en libertad desde 2017. “Está muy disgustada porque decenas de camiones de la producción invadieron Milán y ella no sabe nada ni se han puesto en contacto con ella”, dijo a Telelombardía su abogado, Daniele Pizzi.

También reprocha que Lady Gaga no haya querido reunirse con ella para preparar el personaje.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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El director de orquesta James Levine, que durante más de cuatro décadas lideró la Metropolitan Opera de Nueva York y cuya carrera se cerró abruptamente en 2018 por acusaciones de acoso sexual, falleció este mes a los 77 años de edad. Así lo informó este miércoles The New York Times.

James Levine murió el pasado 9 de marzo en Palm Springs, California, Estados Unidos, según confirmó al periódico su médico Len Horovitz.

El maestro estadounidense fue despedido hace tres años de la Met Opera tras una investigación en su contra. Las pesquisas concluyeron que había pruebas creíbles de que durante décadas acosó sexualmente a hombres jóvenes, a menudo artistas que comenzaban su carrera y sobre los que tenía autoridad.

Levine, que por entonces era director musical emérito de la Met, dirigió durante más de cuatro décadas la ópera neoyorquina y era una de las figuras más reconocidas del mundo en su ámbito.

Su carrera

En Nueva York dirigió más de 2.500 funciones y expandió el repertorio musical de la mayor organización de teatro de Estados Unidos con un enorme éxito.

También fue director musical durante cinco años de la Filarmónica de Múnich y durante siete años de la Orquesta Sinfónica de Boston, cargo revitalizó su carrera y por el que obtuvo gran reconocimiento.

Antes de que saliesen a la luz las acusaciones de acoso sexual, los últimos años de la carrera de Levine estuvieron marcados por problemas de salud. Los problemas lo alejaron intermitentemente de los escenarios hasta que finalmente dio un paso atrás en 2016 y dejó la dirección musical de la Met, aunque mantuvo un puesto en la organización.

Esa relación se terminó en 2018, cuando lo despidieron a raíz de la investigación sobre sus supuestos abusos. Poco antes de eso solo lo suspendieron de sus funciones.

Levine respondió con una demanda por ruptura de contrato y difamación, aunque finalmente las dos partes llegaron a un acuerdo para abandonar la pelea judicial.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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Beatriz Pinzón y Don Armando se reencontraron 22 años después del éxito Yo soy Betty, la fea. Los actores Ana María Orozco y Jorge Enrique Abello, que dieron vida a los emblemáticos personajes de la telenovela colombiana, coincidieron en una transmisión en vivo a través de Instagram Live en la que contaron que durante las filmaciones no se enamoraron porque él siempre hacía muchas bromas y eran amigos desde siempre. Además, la actriz reveló que ya no le sale la risa de Betty.

El actor inauguró un espacio en las redes sociales donde entrevistará a figuras conocidas y su invitada de honor de la noche fue Ana María. Durante la transmisión también hubo otros invitados. Aunque la actriz sufrió la mala señal de Internet pudo conversar con tranquilidad sobre cómo fue la vida después del personaje y dijo que le debían todo a Betty, la fea. A lo largo de la conversación también salieron a flote varias anécdotas de los actores que vivieron durante el rodaje de la serie, que fue transmitida en 18 países y traducida a 25 idiomas.

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Después de una larga charla, el actor quiso llevar a la actriz a recordar el trabajo que ambos encabezaron y que los catapultó a la fama. “Quiero decir una palabra con la que todo el mundo se va a volver loco: Betty”, dijo Abello. “Betty es Betty; Betty está siempre presente y nos ha dado tanto, es como parte de la vida, de mi vida; convivo con Betty”, reveló la actriz.

Don Armando contó que siempre le preguntan en los comentarios de la transmisión si cuando hicieron las grabaciones surgió el amor entre ellos. “No, lo quería ahorcar”, dijo ella. “Es que yo molestaba mucho”, acotó el actor. “Él siempre estaba haciendo chistes y joda y joda, de verdad que a veces lo quería ahorcar. Y con Yorgi (Jorge) hemos sido muy amigos, compañeros, después de Betty también. Siempre compañeros”, aclaró.

“La gente quiere que sea real, que traspase la ficción. Hay amor y un cariño enorme, pero pasan por otro lado”, respondió sobre un pedido que le hizo una nena al actor de que quería que la pareja la adoptase. “Amiga, si estás ahí, te digo, no te podemos adoptar, va a ser muy difícil”, sumó el actor.

Abello le hizo un pedido de un truco a Orozco sobre algo que la caracterizaba y que podían hacer cuando los oyentes estuvieran en un estado difícil. “Pensé que me ibas a pedir la risa de Betty. Casi me muero”, expresó la actriz después de entender que a aquello que se refería era la meditación.

“Es que ya no me sale”, reveló sobre la risa. “No crean que hacen ja y ja y sale. No, fue duro, tocó darle entrenamiento a los personajes”, agregó Abello.

“Ser un hada”

A lo largo de la charla, Orozco confesó: “Siempre me atrajo muchísimo ser un hada; soñaba con conectar con el mundo de las hadas, pero no me había metido nada”, dijo sobre una aparición que hizo en el cumpleaños del actor donde ella se vistió de hada. “Fantaseaba mucho con ese mundo, el imaginario el juego, algo más lúdico”, agregó.

En un juego de preguntas que hizo el actor, Orozco tenía que elegir a una persona para ayudar en su vida, por lo que la actriz se decidió por las mujeres latinas que son madres solteras y tienen que lucharla todos los días para sacar adelante a sus hijos. “A Anita la quieren en todas partes del mundo, ella no vive la vida de una persona famosa y quería mostrarles eso”, afirmó Abello, que minutos antes quiso contar la historia de cuando conoció a su compañera de elenco en la famosa serie, pero la actriz perdió la conexión de Internet.

Por último, Orozco hizo la carcajada característica de Betty para no dejar con las ganas a sus fanáticos: “Te doy un poquito”, cerró entre las características risas del personaje ficticio.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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Desde hace varios días hay rumores que aseguran que Jennifer López y Alex Rodríguez terminaron su relación; sin embargo, aunque la pareja los desmintió, así admitieron que trabajan en algunos aspectos de su noviazgo.

Por eso, esta semana el Rodríguez se ha encargado a demostrar que no está dispuesto a tirar la toalla y romper la relación con una de las mujeres más exitosas del mundo.

El exbeisbolista viajó el lunes hasta República Dominicana para visitar a JLo, quien se encuentra filmando una película. “Feliz lunes. Nueva semana, un nuevo día. ¡Hacia delante y hacia arriba!”, escribió Alex Rodríguez desde sus historias de Instagram, mostrando un bello paisaje de la isla.

Una fuente reveló a la revista People que Jennifer estaba muy emocionada de verlo, al fin, cara a cara. “Realmente quieren que lo suyo funcione, fue un encuentro feliz”, dijo.

Si bien el rumor de que se habían separado se robó muchos titulares de los últimos días, la pareja afirmó que sigue unida y el fin de semana Alex Rodríguez dijo a los fotógrafos que lo siguieron: “No estoy soltero”.

Después de que la pareja emitiera un comunicado en el que confirmaron que estaban pasando un momento difícil, pero que trabajaban en su relación, otra fuente confirmó a People que nunca rompieron oficialmente y aseguró que los rumores de infidelidad con Madison LeCroy no tuvieron nada que ver con la crisis que comenzó durante la pandemia.

“Ella está trabajando en República Dominicana y él en Miami, así que es difícil que se vean con la cuarentena y el covid-19, pero están intentándolo”, dijo la fuente.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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A casi 80 años de su estreno, sigue siendo para muchos entendidos la mejor película de todos los tiempos. Ciudadano Kane (1941), la obra maestra dirigida y protagonizada por Orson Welles, no solo fue una cinta revulsiva por su audaz guion o su propuesta cinematográfica: fue sobre todo un excepcional drama sobre las cimas y honduras humanas, que aún hoy goza de pleno sentido cuando se piensa en el poder desbocado y su consecuente fracaso. No por nada la historia de su personaje principal, Charles Foster Kane, era una velada (o no tan velada) biografía del todopoderoso magnate de los medios de comunicación William Randolph Hearst, quien hizo todo lo posible para que la película no llegara a estrenarse. Y aunque logró sabotear en alguna medida su éxito en salas, el impacto que generó el jovencísimo y atrevido Welles (era apenas un veinteañero cuando filmó la película) dejaría secuelas imborrables.

Hoy, en la compleja tarea de hacer una película a la altura de semejante monumento fílmico está David Fincher (Denver, 1962), cineasta de aclamadas películas como Seven, Zodiaco o Red social. Su más reciente obra, disponible actualmente en Netflix, es Mank, acaso el filme más ambicioso de su carrera y una suerte de reflejo alterado de Ciudadano Kane.

Porque Mank cuenta la historia de la concepción de la película de Orson Welles, pero no centrada en el punto de vista del director, sino en el de Herman J. Mankiewicz, tormentoso y brillante coguionista de la cinta.

Mank cautiva desde su propia concepción, que hace referencia directamente al filme de Welles: habla, por ejemplo, del misterioso Rosebud, la palabra que menciona el protagonista y que se convierte en el secreto y la clave de su argumento; tiene también la misma estructura de idas y venidas, con flashbacks que van introduciendo al espectador en las entrañas de su historia; y replica además su soberbia estética cinematográfica, devenida en imagen y esencia del Hollywood de los años 30 y 40.

En comunicación con El Comercio a través del correo electrónico, Fincher respondió sobre esa apuesta. ¿Fue esa la factura visual que se quiso plasmar desde un inicio del proyecto? “Sí, desde el principio. Si quieres retroceder en el tiempo, el blanco y negro obviamente ayuda. Y lo encontramos realmente liberador, porque el color puede ser una distracción. El blanco y negro te retiene más en la composición, en la estructura”, señala el cineasta.

“Queríamos capturar esa época, pero no estar atados a ella –agrega Fincher–. Consideramos los métodos que se usaban, tomamos lo que era útil y luego optamos por lo que sentimos correcto. Entonces, la relación de aspecto es diferente a la de Ciudadano Kane [N. del R.: el original era una pantalla casi cuadrada, Mank es panorámica], pero la mezcla de sonido es bastante similar: en mono, como de radio AM, tratando de capturar la sensación que obtienes de esas películas. La iluminación tiene algo de la sensación de Kane: usamos los fundidos que hizo Welles, en los que se bajan las luces en el set y se oscurece. Y también usamos un enfoque bastante profundo. Erik Messerschmidt (el director de fotografía) fue excelente capturando ese espíritu, pero no fuimos religiosos al respecto”.

Polémica Autoría

La trama de Mank aborda, además, uno de los aspectos más controversiales de Ciudadano Kane: la autoría del guion que Herman J. Mankiewicz disputó a Orson Welles y que, tras una lucha que terminó enemistándolos, consiguió que le fuera reconocido. De hecho, fue por el guion de la cinta que ambos ganaron el premio Oscar de 1942. Ninguno acudió a la ceremonia.

Le preguntamos a Fincher si su película podría cambiar la visión que se tiene de Orson Welles como el genio único y acaparador detrás de Ciudadano Kane: “Escuché por primera vez sobre Kane por mi padre, Jack Fincher, mucho antes de verlo [N. del R.: el guion de Mank fue escrito por el padre del director, fallecido en 2002]. Luego, cuando finalmente vi la película en una clase de apreciación del cine, me sorprendió: la velocidad del pensamiento, la amplitud de las ideas. Y parecía que Orson Welles estaba en el centro de todo: estrella, director, coguionista. Más tarde leí el ensayo de Pauline Kael, Raising Kane, que introducía la idea de que Herman J. Mankiewicz era el responsable del guion; al menos, esa era su opinión. Pero hacer películas es más complicado que eso. Y Mank no se trata de un crédito, se trata de lo que se necesita para crear algo”.

Hombre e industria

Otro de los atributos de Mank es su elenco, en especial el papel protagónico de Gary Oldman como el atribulado Mankiewicz. “Conozco a Gary desde hace mucho tiempo y habíamos hablado de trabajar juntos, pero nada había funcionado –nos cuenta Fincher sobre la elección del actor–. Y cuando Netflix me preguntó qué quería hacer a continuación, las cosas finalmente encajaron. Mank es un personaje complicado, tiene muchos aspectos diferentes: era hilarante, estaba triste, se preocupaba, estaba enojado. Necesitaba un actor que fuera capaz de ser todas estas cosas diferentes, a menudo dentro de la misma escena. Y no hay muchos que sean capaces de hacer eso y que estén dispuestos a hacerlo”.

Mank es, por último, un retrato fascinante de los dramáticos cambios sufridos por los estudios de Hollywood en los años posteriores a la Gran Depresión. Un escenario de transformación que también atraviesa la industria hoy, entre la pandemia y el auge del streaming. Con su primer largometraje en Netflix, Fincher también parece estar diciendo algo sobre esa situación. “En este momento, sin las plataformas, creo que no habría mucho cine como reflejo de nuestra cultura. En los 70, la última edad de oro del cine, 80% del negocio estaba en el rango medio. Ahora me parece que, sin los streamers, todos estaríamos imitando a Marvel”, sentencia. Por lo pronto, Mank es indiscutiblemente una de las películas que hay que ver en esta temporada de premios.

Título original: Mank.

Plataforma: Netflix.

Género: drama.

País y año: Estados Unidos, 2020.

Director: David Fincher.

Actores: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Charles Dance, Lilly Collins.

Nominaciones al Oscar 2021: 10, entre ellas: Mejor película, Mejor Dirección (David Fincher), Mejor Actor (Gary Oldman), Mejor Actriz de Reparto (Amanda Seyfried).

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
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J Balvin sorprendió a todos sus seguidores al anunciar, a través de su cuenta de Instagram, el lanzamiento de “Tu veneno”, el segundo sencillo de su próximo álbum, que estará disponible este jueves 18 de marzo.

El anuncio llega luego del estreno de “Ma G”, canción que lanzó durante el show previo a la pelea de boxeo entre el mexicano Saúl “Canelo” Álvarez y el turco Avni Yilirim, en Miami, el pasado mes de febrero.

Este nuevo tema llega también tras el anuncio de la colaboración del colombiano junto a 747 y La Plaga Invade, que incluye mercancía como chaquetas, máscaras, gorras, suéteres, pantalones deportivos, combos musicales y más.

“12 años atrás caminaba por estas calles soñando. Porque yo soy tu veneno, te hago mal pero que bueno cuando lo hacemos. Este jueves #TUVENENO”, escribió J Balvin junto a un breve adelanto de la canción que compartió en Instagram.

https://www.instagram.com/p/CMdTuMrngGb/?utm_source=ig_embed

J Balvin es uno de los artistas multiplatinos más escuchado hoy en día. El cantante cuenta con más de 50 billones de reproducciones durante su carrera y 55 millones de oyentes mensuales en Spotify, convirtiéndose en el artista latino más escuchado en la plataforma y el sexto en todo el mundo.

Su influencia y alcance trasciende las barreras culturales. Balvin es el artista más visto en VEVO a nivel mundial y el artista latino #1 global en YouTube, Spotify, Deezer y Shazam.

Fuente: El Nacional
Por: Maria Laura Espinoza
Twitter: @i_am_LauEz14